Objetos encontrados foram afixados aleatoriamente à parede, com um rótulo manuscrito cujos contornos irregulares lhes dão também a aparência de destroços à deriva após um naufrágio – termos que parecem ter sido arrancados de um conjunto complexo. E, de fato, a organização é totalmente casual – a coerência de sua narrativa é fornecida apenas pela participação mental e pela assimilação do espectador de cada elemento no próprio contexto pessoal. Embora os objetos e os termos sejam tão abertos quanto possível, podem ser reunidos para formar um grupo e ao mesmo tempo deixar claro quanto a percepção de cada espectador é diferente.
Maren Welsch, 2010

As formas geométricas usadas em “Envelope” – dois quadrados, um dentro do outro e conectados por linhas diagonais – são idênticas em todas as folhas, mas cada uma tem uma legenda diferente: “envelope”, “túnel”, “pintura”, “janela”, “tela”, “grade”, “caixa”, “cubo” e “teto”. De acordo com os alicerces democráticos de seu pensamento, Camnitzer oferece ao espectador várias maneiras de interpretar essas formas e assim rebelar-se contra o que ele considera a ideologia doutrinária e o cânone formal estrito da arte minimalista. O artista também aborda as relações de discurso e representação e demonstra em que medida a percepção do espaço pelo observador é orientada pela informação linguística.
Maren Welsch, 2010

Entre as primeiras obras conceituais de Camnitzer há uma chapa sintética que exibe o seguinte texto: “This Is a Mirror. You Are a Written Sentence” (Isto é um espelho. Você é uma sentença escrita). A declaração em si é incompreensível, escapando ostensivamente de qualquer construção lógica. Essa associação de dois absurdos realça a consternação do espectador – e com ela sua curiosidade – e a peça torna-se uma investigação do poder da linguagem além do mero declaratório.
Maren Welsch, 2010

Nos anos 1970, Luis Camnitzer mudou o foco de seu trabalho artístico para a construção de objetos, com especial relevância para as “Caixas”. São molduras retangulares de madeira com a frente e o fundo de vidro. Na parte inferior, uma placa de latão gravada, em inglês ou espanhol, com o título correspondente ao trabalho. Enquanto o observador acredita que poderá ler uma explicação sobre o que se expõe nas caixas, os textos na verdade foram criados antes dos objetos. Mas, certamente, eles não funcionam como ilustrações, pois só em seu jogo recíproco, acompanhado do trabalho de reflexão do observador, imagem e texto produzem um todo narrativo.
Maren Welsch, 2010

Em 1969, a pedido do Museu de Belas-Artes de Caracas, na Venezuela, Camnitzer criou uma sala de estar completa, afixando palavras fotocopiadas por todo o espaço de exposição, de maneira a marcar a localização dos itens reais. A coisa mais surpreendente na peça era como ela funcionava bem: os visitantes caminhavam pela área rotulada “tapete”, mas evitavam parar sobre a “mesa”, com seus elementos rotulados em detalhe. Por meio da denotação linguística, “Living Room” não apenas dá rédea solta à imaginação do espectador mas também consegue influenciar diretamente seu comportamento e produzir uma rede espacial de relações.
Maren Welsch, 2010

“16m” é uma instalação formada por 200 paletós de terno preto sobre camisas brancas que foram todos furados, cortados com tesoura, deixando um furo irregular em seu lado direito – um furo que, ao assomar, constrói visualmente em sua extensão um túnel escuro de 16 metros de longitude, vislumbrando-se no fundo a luz. Na realidade, o túnel é uma ilusão, pois existe apenas porque os 200 paletós se sobrepõem longitudinalmente, gerando uma escultura interior com um vazio na fronteira entre o real e o imaginário. O uso da seriação, a multiplicação de objetos – nesse caso, de paletós pretos sobre camisas brancas, ambos mutilados –, mediante uma construção de ressonâncias pop e pós-minimalistas, converte-se em um grande poema visual, em um metaobjeto de múltiplas evocações poéticas de fundo social e político. Mais uma vez esses artistas transformam e recodificam o objeto cotidiano através de sua descontextualização e manipulação em um artefato estético-político.
Orlando Britto Jinorio, 2014

Em poucas obras como “O presságio seguinte”, o embate entre ciência e poesia, ou entre fantasia e realidade, parece superado de maneira tão natural, como se esses mundos contrapostos fossem, em realidade, um só. As cordas que desenham o corpo no espaço nada mais são, no fundo, que a ponte que nos leva, desapercebidamente, do mundo que conhecemos para o da imaginação.
Jacopo Crivelli Visconti, 2010

Os vídeos de Mauricio Alejo apresentam imagens aparentemente simples que se revelam ilusórias por meio de ações ou intervenções diretas. Suas obras exploram de maneira provocativa a natureza do espaço tridimensional em que são produzidas, a superfície bidimensional sobre a qual são exibidas e os espaços mentais e imaginários que evocam.
Ralph Rugoff, 2005

Procurei trabalhar com elementos que me pareciam mais simples ou banais ou menos carregados de significado para conseguir que a obra ficasse mais próxima de uma pergunta do que de uma afirmação, que admitisse mais reflexões e mais possibilidades de significado. Que não fosse uma obra fechada. Ali surgiu a arte na qual eu utilizava um pequeno prego ou um fio ou uma sombra e onde aparecia o espaço vazio, ou seja, o conceito de “não lugar”. Desde esse momento, as questões do tempo e da relação entre representação e realidade me interessam muito.
O que me interessa da confusão visual nestas obras é questionar a substância da realidade e do tempo. A distância entre as palavras e as coisas, por assim dizer.
Liliana Porter, 2014

Em minha obra, a ação dinâmica do público confere ao espectador um papel de ator, mas o singular é que o faz sem que ele abandone sua posição de observador.
Leandro Erlich, 2014

É um fator importante em todos meus projetos que o espectador consiga rastrear o processo: ele é reconhecível. O truque não é apresentado para enganar o público, mas para ser entendido e solucionado por ele. Tal engajamento com o trabalho envolve a participação do espectador e leva ao pensamento de que a realidade é tão falsa e construída quanto a arte: é uma ficção. Embora seja a ficção em que todos nós concordamos em viver. Eu sou uma pessoa muito otimista, e entender esta realidade pode ser muitas coisas ao mesmo tempo aumenta sua consciência da vida, da política e de seu entorno em geral.
Leandro Erlich, 2008

Grande parte do trabalho de Teresa Serrano aborda questões relativas à violência de gênero ou contra as mulheres. Em sua obra “5 Rolling Stones” aparecem cinco esferas, bolas, revestidas de diferentes perucas, de cor e forma aparentemente femininas. A ilusão visual que o cabelo pode causar como artefato de simulação é transcendida quando percebemos as esferas no chão como cabeças que rolam, subtraídas de seu corpo, no maior dos absurdos da violência. Cabeças que rolam e se deslocam nos rios de violência, como as pedras que, de tanto rolar e rolar, acabam tendo a forma praticamente esférica, como as pedras roladas, as “rolling stones”.
Orlando Britto Jinorio, 2014

“Blown Mold”, como sugere o nome, é feito com uma técnica artesanal tão antiga quanto a história da humanidade. Nela, o artesão “transcende” seu papel humano para situar-se em um nível demiúrgico, um autêntico criador que, com seu “sopro” humano, ilusão do divino, é capaz de dar forma a uma massa de matéria para transformá-la em um objeto frágil e belo. A artista escolhe quatro dos chapéus mais simbólicos da Igreja Católica – o solidéu, a mitra, o barrete e o chapéu Saturno – para construir uma metáfora sobre a fragilidade daqueles que se situam sob esses ícones de representação do transcendente na terra. Não são deuses, mas seres humanos que, apesar de estar toucados ou cobertos pelos símbolos divinos, deixam entrever com suas transparências as contradições de uma igreja que não foi capaz de gerar um espaço de igualdade para a mulher nem soube enfrentar e atalhar as situações de violência contra a inocência e integridade dos menores. A obra de Teresa Serrano põe sutilmente o dedo na chaga das incoerências das estruturas sociais, políticas e religiosas que geram sempre violência contra as mesmas personagens: as mulheres, os menores e os mais desfavorecidos.
Orlando Britto Jinorio, 2014

“Del mismo diámetro”é o resultado de uma observação da artista sobre o toucado mais simbólico de três grandes religiões associadas a três grandes culturas da humanidade: a cristã, a hebraica e a islâmica. Descobrir que seus adornos fundamentais têm o mesmo diâmetro (17 centímetros) não desvela senão uma medida-padrão da cabeça de um ser humano. Sendo um atributo que se conecta com a divindade, sua igualdade, na medida assinalada pela artista, está nos recordando que são cidadãos comuns os que exercem essa liderança ou poder sobre milhões de pessoas, apesar de seus toucados – novamente uma ilusão de divindade para nos recordar o caráter terreno desses símbolos de poder, evidentemente masculinos.
Orlando Britto Jinorio, 2014

“Boca de tabla” tem a ver com ser apanhado em um universo becketiano de tautologia existencial. O vídeo de Serrano começa com uma mulher de meia-idade caminhando solitária pelo interior de uma casa de classe alta, interagindo aqui e ali com significantes que apontam para o mundo exterior e o temporal. Sua tentativa de comunicação além do labirinto em que ela está presa, porém, é inútil. Entretanto, há momentos em que a interioridade da mulher – que permite um grau de transcendência de seu labirinto – é manifesta. “Boca de tabla” é uma obra filosófica e poética cujo efeito se deve principalmente a sua estética cinemática e à atmosfera de “film noir” estabelecida por sua dialética “chiaroscuro”.
Raúl Zamudio, 2008.

Figurinhas de cera sobre discos em rotação, luz estroboscópica e uma trilha sonora intensa são os componentes de suas máquinas de animação de Fernando Pareja e Leidy Chavez, que servem para insuflar vida a figuras imóveis, para que contem sua história em sequências curtas, de constante repetição.
Em “Untitled” (2012), mulheres idosas saem apressadas de uma arcada circular, avançam rapidamente por uma plataforma, apenas para então jogar-se no vazio. Preso no sistema da sequência infinita, esse drama fatal repete-se sempre. A cena é uma reflexão sobre a situação até agora desesperadora na qual se encontra a população civil da região de origem dos dois artistas, a província colombiana de Cauca, presa no meio do fogo cruzado de um conflito armado interminável entre o exército, os grupos paramilitares e as guerrilhas.
A real força de seu trabalho, porém, está no fato de que Fernando Pareja e Leidy Chavez, por meio do jogo entre ilusão e realidade, acabam levantando questões universais, que atingem todos nós.
Katrin Steffen, 2014

Durante quatro minutos e 49 segundos, podemos identificar, neste vídeo em canal único em preto e branco, uma sucessão de cifras em loop que emana da inconfundível voz do comandante Fidel Castro. Nesta obra de José Toirac, a retórica interminável, até praticamente a extenuação física e psicológica do ouvinte, emitida a partir do discurso paternalista do poder, fica reduzida a um tipo de ilusão minimalista sonoro-numérica não isenta, como é habitual na obra desse artista, de certas doses de humor. O inacabável discurso político é despojado de todos os seus elementos de conteúdo para, em um processo de desconstrução e síntese, ser reduzido pelo artista a apenas uma litania de cifras incessante, um mantra adormecedor de dados, impossíveis de comprovar, e que supostamente pretende produzir no ouvinte – o espectador – um estado de certo sossego diante da incerteza de seu presente e de seu futuro. A impossibilidade de verificação de todos esses dados, emitidos como mera propaganda política, faz com que, em última instância, e como bem assinala o próprio artista, eles apenas possam ser assumidos como verdadeiros por um mero ato de fé. As cifras, os dados emitidos então a partir das instâncias de poder, se transformam em uma nova forma de religião.
Orlando Britto Jinorio, 2014